ЧАВО — список часто задаваемых вопросов

Что такое шоу световых картин?

Шоу световых картин – это удивительное и захватывающее зрелище, которое создаёт художник с помощью фонариков на специальном полотне. Шоу происходит в затемненном помещении и свет проходя по полотну как бы впечатывается в него, создавая невероятные картины, которые как будто парят в пространстве и горят изнутри. Потрясающее и очень яркое зрелище, которое способно поразить даже самого искушенного зрителя. За несколько минут рождается шедевр, невесомый, постоянно меняющийся и светящийся изнутри все новыми и новыми деталями. Световая картина — это настоящее произведение искусства, уникальное и неповторимое, как неповторим любой предмет, созданный вручную!   

Что такое шарж?

Понятие «шарж» пришло к нам из Франции. Исходя из французского определения, можно сказать, что шарж – это рисунок, в котором изображаются желаемые персонажи в шуточной, но в то же время добродушной форме. Чаще всего в этом стиле художник рисует портреты, однако может быть изображена группа людей или даже животные. 

Что такое песочное шоу?

Песочное Шоу – это новое направление изобразительного искусства, а также технология создания мультипликационных сюжетов. Метод позволяет делать не только мультипликационные фильмы, но и шоу-номера для «живого» зрительного зала. Художник рисует песком на стеклянной поверхности специального стола, подсвеченной снизу. С помощью видеокамеры и проектора его действия транслируются на экран. Неповторимые шедевры создаются руками мастера, сменяя друг друга на глазах у зрителей. 
 

Главное, что отличает песочную анимацию и графику от других направлений с применением сходного материала — например, рисунков цветным песком — это светящаяся поверхность, которая служит для нанесения изображений. Не столь принципиален выбор конкретной сыпучей субстанции, рабочих инструментов. Именно при наличии подсветки изображение обретает необходимые контрастность и выразительность, «оживает». Применяется как однотонный, так и многоцветный вариант освещения.

Изображение, полученное путём работы с сыпучим материалом на светящейся поверхности, обладает высокой драматической выразительностью даже при минимуме деталей, допускает быстрое воспроизведение и легко трансформируется. При этом художник, имеющий большой арсенал приёмов и привычный к работе с песком, способен добиться самых разных эффектов (подчас недоступных другим видам графики) и тщательно детализировать работу.

Интерактивные песочные перформансы, как правило, сопровождаются музыкой, имеют связный сюжет и характеризуются преобразованием, трансформацией одного изображения в другое. Немногочисленные специалисты данного направления единодушно отмечают, что художнику, который выступает для зрителей «вживую», необходима предельная концентрация, точность каждого движения, высокая скорость исполнения рисунков.

Песочная анимация нередко применяется как средство развития творческих способностей у детей и как метод терапии внутреннего напряжения (подвид арт-терапии).

В умелых руках мастера любое событие или незатейливая программка Sand Art может превратить в запоминающееся, зрелищное мероприятие. А может быть прекрасным подарком любимому человеку, создать атмосферу уюта и быть прекрасным началом будущего вечера.

Что такое Эбру?

Рисование на воде — очень древняя техника. Индия, Китай, Сибирь, Туркестан, Персия, Пакистан и даже Древний Египет соперничают за право называться ее родиной.

Возможно, это искусство произошло от шаманов, чьи ритуалы похожи на процесс создания рисунков на поверхности воды. В районе Алтая был найден мраморный рисунок, переведенный на кусок кожи, возрастом около 2500 лет. Может быть, эта техника получила развитие в близлежащих районах Китая, откуда лишь через десяток веков узнали о способе изготовления бумаги, а вместе с ним и о мрамировании.

Сохранились очень старые работы, выполненные в этой технике — обложки для исторических книг и альбомов. Самая древняя найденная работа датируется 11-м веком, но и к этому времени техника Эбру уже достигла совершенства, то есть она оказывается еще намного старше. Эбру — древняя восточная живопись, окутанная тайной и секретами многих веков. Авторство первой картины Эбру не установлено. Это искусство считают исконно тюркским, так как самая первая известное произведение родилось на территории тогдашнего Туркестана. В Европе Эбру известно под такими названиями, как «турецкая бумага» или «турецкое мрамирование бумаги». Века совершенствования материалов и оттачивания техники дают нам увидеть это искусство во всей своей утонченной красоте.

Одно из названий Эбру «турецкое мрамирование», однако, мраморные разводы — это лишь малая часть глубокого и изящного искусства. Первым, кому удалось получить именно фигурный орнамент на поверхности воды, а не только абстрактные текстуры, напоминающие мрамор, был Хатиб Мехмет Эфенди, живший в Стамбуле в начале 16 века. Его имя дало начало новой технике – Хатип Эбру (Hatip Ebru). Затем мастера изобрели и успешно освоили другие техники, в частности Эбру с цветочным орнаментом – Чичекли Эбру (Çiçekli Ebru), Гелгит Эбру (Gel-git Ebru) — орнамент в виде приливов и отливов, Аккасе Эбру (Akkase Ebru) — с дополнительными графическими элементами и другие, которые во всем своем многообразии дошли до сегодняшнего дня. Название произведения Эбру дается обычно только после того, как ему будет придана форма. Некоторые типы Эбру были названы именами художников, создавших особенно удачные формы. Так, например, появились «Эбру Хатип» и «Эбру Неджметтин», имеющие уникальные формы цветов. Этимология слова Эбру также доподлинно неизвестна. Есть несколько версий. Возможно, Эбру происходит от арабского «Ab-ru», что означает «на воде». И правда, техника Эбру непосредственно связана с различными жидкостями. Весь процесс проходит на специально подготовленной водной глади. Краски для Эбру также являются очень жидкими, и скорее похожи на окрашенную воду, однако благодаря входящим в них специальным веществам прекрасно держат форму, не растворяются в воде и не смешиваются друг с другом. Другая версия происхождения слова «Эбру» — от персидского «Ebri» (в переводе, «облако», «в виде облака»). Множество потрясающих узоров и сосредоточение цвета в виде расплывающихся в правильные формы капель краски, изначально напоминают именно облачные узоры — витиеватые, всегда разные, повторить которые в принципе является невозможным. Третья версия предполагает, что Эбру происходит от чагатайского «Ebre», что означает «волнообразный».  Когда на поверхности воды появляются «облачные» узоры, автор специальным инструментами превращает их в удивительные красочные разводы, напоминающие по своей сути естественный природный мрамор. Невероятные плавные переходы цвета сами по себе являются весьма изящными и утонченными. Однако при желании, на их основе создаются более сложные образы, или же, после перенесения разводов на бумагу, используется трафарет для отображения основной темы. Искусство Эбру передавалось мастерами их ученикам из поколения в поколение, и с ноября 2014 года «Эбру» внесено в перечень нематериального культурного наследия ЮНЕСКО.

Что такое поп арт?

Поп-арт возник на смену серьезному абстракционизму двадцатого века. Этот стиль по большей части основан на массовой культуре, поэтому он стал неким способом развлечения. Направление развивалось с помощью рекламы, трендов, а также моды. Никакой философии, духовности. Поп-арт (портреты) — один из разделов авангардного искусства. Доступность и простота – те качества, благодаря которым данный стиль имел невероятную популярность. Целью изначально была широкая аудитория, таким образом возможно охватить наиболее обсуждаемые образы. Именно поэтому стиль поп-арт стал одним из самых влиятельных художественных движений в живописи 20 века и не только. 

ПОП-АРТ (англ. pop art, сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) – направление в искусстве конца 1950-х – начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма.

Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции.

Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, и даже в СССР, отделенном в то время от остального мира «железным занавесом».

В 1952 при Институте современного искусства в Лондоне несколько критиков, художников и архитекторов образовали «Независимую группу», изучавшую современные технологии и городскую народную культуру. Художники Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци начали заниматься изучением «имиджей» (обликов) массового искусства. К феномену «массовой культуры» применялись различные методы исследования – от лингвистического (семиотика) до психологического (теория игр).

Изучения проводились на основе американской культуры, к которой члены группы испытывали смешанные чувства иронии и восхищения. Ричард Гамильтон и Эдуард Паолоцци создавали композиции-коллажи из наиболее популярных тем печати и рекламы новых промышленных изделий (Ричард Гамильтон Так что же делает наши сегодняшние дома такими особенными, такими привлекательными? (1956); Эдуард Паолоцци Я была игрушкой богача (1947))

Один из членов группы, критик Лоуренс Аллоуэй, для обозначения нового явления изобразительного творчества предложил термин «поп-арт».

В 1956 в Лондоне прошла выставка «Это – завтра», состоящая из фотографий голливудских кинозвезд и кадров из фильмов, увеличенных до размера киноэкрана.

После выставки к группе примкнули выпускники Колледжа изящных искусств: Питер Блейк, Рональд Китай, Дэвид Хокни и др. (Питер Блейк Дверь с красотками (1959)).

Из интеллектуалов-исследователей художники постепенно превращались в апологетов массовой культуры, проповедников не только новой эстетики, но и нового образа жизни, основанного на анархических идеалах свободы, новых принципах морали и рок-музыке: альбом Битлз 1967 Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера оформлял П.Блейк, а обложку Белого альбома (1968) создал Р.Гамильтон.

Товарный фетишизм и идеология равных возможностей в США приводят к тому, что с конца 1950-х поп-арт (здесь его вначале называют неодада) получает широкое распространение в американском искусстве. Международную известность поп-арту в его американском варианте принесли такие художники как Роберт РаушенбергРой ЛихтенштейнДжэспер ДжонсДжеймс Розенквист, Том Весселман, Клаас Олденбург, Энди Уорхол

Эти художники реабилитируют мир красоты банального, в их произведениях сквозит гордость тем, что американская торговля изобрела такие товары, которые всегда хороши, дешевы и равнодоступны. Их искусство – в определенном смысле памятник таким товарам и социальному равенству, ведь потребляя продукт, мы можем идентифицировать себя с любым другим потребителем этого продукта: «Ты можешь смотреть телевизор и видеть кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, ты тоже можешь пить кока-колу…Все бутылки кока-колы одинаковы и все они хороши» – говорил Э.Уорхол, прославляя потребление и делая потребление (чужих образов) частью своего искусства.

Уорхол отмечал, что «поп-арт поменял внутреннее и внешнее местами. Поп-артисты создавали образы, который любой человек, идущий по Бродвею, узнавал в ту же секунду – комиксы, столы для пикника, мужские штаны, знаменитости, занавески для душа, холодильники, бутылки кока-колы – все те великие вещи, которые абстрактные экспрессионисты изо всех сил старались вовсе не замечать».

Поп-арт использовал то, что уже есть, и, более того, что набило оскомину, стало привычным: готовое изделие (ready made – термин введенный в 1912 Марселем Дюшаном, означал изделие массового производства, выставленное в качестве произведения искусства) – настоящие консервные банки, бутылки, ящики, флаги, которые вовлекались в комбинации или подборки (ассамблажи) с другими настоящими предметами, рисованными или живописными элементами; фотографии; газетные или журнальные иллюстрации; кинокадры.

Раушенберг, Уорхол вводили предметы «массовой культуры» в картину как прямую цитату: в виде коллажа или фотовоспроизведения. Раушенберг разработал жанр комбинированных картин, в которых живопись в духе абстрактного экспрессионизма соединялась с реальными предметами (Кровать). В начале 1960-х в этом жанре начал работать Том Вессельман, сочетавший плоскостное изображение натурщиц с реальным антуражем ванных комнат (Великая американская обнаженная).

Весселман, начинавший как карикатурист; Розенквист, который в юности раскрашивал уличные вывески, имитировали композиционные приемы и живописную технику рекламных щитов.

Лихтенштейн увеличивал картинку комикса полумеханическими способами до размеров большого полотна.

Олденбург создавал пластические подобия витринных муляжей огромного размера в самых неожиданных материалах; Джонс – муляжи флагов, географических карт, мишеней в технике энкаустики (краски на восковой основе).

При столь различном подходе общим являлось то, что заимствованный «имидж» массовой культуры помещался в иной контекст, изменялся масштаб, материал, обнажался прием или технический метод, выявлялись информационные помехи (дефекты фотоснимка или оттиска). В связи с этим первоначальный образ парадоксально преобразовывался и иронически перетолковывался.

 

Соединение фрагментов различной печатной продукции в одном произведении стало одним из главных приемов поп-арта.

Первым переработал жанр коллажа Раушенберг, превратив его в композиционный прием своих шелкографий. Затем в этой технике работал Уорхол.

Шелкография давала возможность легко тиражировать одни и те же образы: «Вы берете фотографию, увеличиваете ее, переносите ее при помощи клея на шелк, а затем прогоняете через него краску так, чтобы она проходила сквозь шелк, но не сквозь клей. Таким образом, вы получаете тот же образ, но каждый раз немножко иной. Все это так просто – быстро и случайно» (POPism: The Warhol Sixties). Тираж одной шелкографии мог составлять до 300 экземпляров.

Что такое дудлинг?

Этот стиль возник достаточно недавно (в 2006 году), но уже стал популярен во всем мире. Я начала интересоваться Зентангл в конце 2011 года, собрала и систематизировала для себя доступные сведения о стилях: Зентангл, Зенарт, Дудлинг, значение терминологии, используемой в этих стилях и другие сведения. Сегодня я поделюсь с вами первой частью. Итак…

Многие из нас рисуют что-то ручкой или карандашом на случайном клочке бумажки в момент ожидания, скуки, задумчивости, или рисует что-то для отдыха, но редко кто заостряет на этом внимание и начинает заниматься этим целенаправленно, считая это занятие достойной тратой времени. Наш мир слишком рационален и не позволяет делать что-то просто так без цели. Признайтесь, вы тоже рисовали что-то типа (вставить рисунок радужной улитки), но вероятнее всего все такие почеркушки вскоре летят в корзину.

А в Америке нашлись люди, которые это занятие систематизировали, подвели «теоретическую базу» и даже запатентовали. В результате это занятие в их интерпретации получило название Зентангл (Zentangle), а рисунки в смеси с элементами их метода — Зендудл (Zendoodle). 

  • Что такое скетчинг и скетч?

    Скетчинг — это техника рисования быстрых рисунков. Происхождение слова «скетчинг» объясняется от английского слова «sketch» – этюд, зарисовки, набросок, «рисовать эскизы», «делать наброски». Техника скетчинга основана на том, что рисунок выполняется в довольно быстром темпе, что позволяет художнику за небольшой промежуток времени быстро визуализировать различные объекты и идеи. Техника скетчинга давно используется как основной инструмент для дизайнеров и тех, кому нужно быстро донести свои мысли и идеи другим с помощью рисунка. В академическом рисунке и живописи скетч — это эскиз для будущей работы, подбор цветовой гаммы и композиции. В настоящее время направление скетчинга выросло и его уже относят к одному из самостоятельных художественных направлений в современном искусстве. Принципы работы скетчинга — это передача первых впечатлений за короткий интервал времени. Материалы используемые для скетчей — это маркеры на спиртовой основе, акварель, цветные карандаши, линеры и другие подручные материалы.

  • В современном мире скетчинг — это возможность выразить свои мысли, впечатления от встреч, посещения мероприятий, путешествий и все запечатлеть на листе бумаге или в своем скетчбуке. Скетчинг идеально подходит для тех, кто только начинает рисовать. Эта техника является довольно простой и не требует от вас навыков профессионального художника. Скетинг способствует развитию качеств, присущих художнику: умение «поймать момент», увидеть хороший вид или композицию, быть внимательным и творческим. Овладев техникой скетчинга, можно пробовать более сложные рисунки. Обычно на скетч затрачивается минимум времени, чтобы уловить момент, идею, которые вы хотите передать в своем изображении. Если на скетч уходит больше часа, то это уже называется скетч-иллюстрацией.

    Что такое скетч-иллюстрация?

    Скетч-иллюстрация – это скетчинг на который уходит значительно больше времени, чем на просто скетч. Здесь уже работа идет поэтапно. Подбирается информация, разрабатывается композиция и уже более основательно выбираются материалы, прорабатываются детали. По итогу это работа может быть картиной оформленной в рамку, а может быть подарком. Или может стать открыткой, иллюстрацией журнала, постером. А теперь узнаем, какие виды скетч-иллюстраций и скетчинга сегодня существуют.

    Food-иллюстрация — это рисунок еды. На сегодня самый популярный и вкусный вид скет-иллюстрации. Используется для создания кулинарных рецептов, рекламной продукции, оформлении меню и интерьеров.
    Флористический скетчинг – это рисунки цветочных композиций, оформление интерьеров для различных мероприятий. Флористический скетчинг пересекается с ботанической иллюстрацией. Скетчеру флористу необходимо уметь рисовать ботаническую иллюстрацию. Это направление используется в работе флористами и декораторами. Иллюстраторы используют этот вид скетчинга для создания работ, которые в дальнейшем могут быть использованы на косметических установках, эко-продуктах, рекламах и так далее.
    Мастер класс оригинальный метод обучения и конкретное занятие по совершенствованию практического мастерства, проводимое специалистом в определённой области творческой деятельности
    Мастер– класс – это особый жанр обобщения и распространения педагогического опыта, представляющий собой фундаментально разработанный оригинальный метод или авторскую методику, опирающийся на свои принципы и имеющий определенную структуру. С этой точки зрения мастер-класс отличается от других форм трансляции опыта тем, что в процессе его проведения идет непосредственное обсуждение предлагаемого методического продукта и поиск творческого решения педагогической проблемы как со стороны участников мастер-класса, так и со стороны Мастера ( под Мастером подразумевается педагог, ведущий мастер-класс)

    Указанная форма методической работы является эффективным приемом передачи опыта обучения и воспитания, т.к. центральным звеном является демонстрация оригинальных методов освоения определенного содержания при активной роли всех участников занятия

    Бодипейтинг или боди арт – это и есть тот привычный для нас вид боди-арта, который предполагает нанесение рисунков на тело и лицо. Такой способ украшения собственного тела – самый безболезненный и, наверное, широкомасштабный, ведь его применяют с самыми разнообразными целями: самовыражение художника, увеселительные мероприятия, а также маркетинговые мероприятия.